Christian Mayeur: What are your current themes?

Jugnet + Clairet: We’re currently working on the series Cue Marks again, with the idea of making sculptures this time.

The Cue Marks or cigarette burns are these marks that furtively appear in films, most often on the top right of the screen, to signal to the projectionist that a film reel change is imminent. This mechanism comes from film history, from the copy, the machinery of cinema, the physical weight of images. It’s a legacy, a relic. Today, films are digitized and transmitted on a cable. These marks no longer have a reason for being but are still present, escaping general attention.

What is often at play in our work is that which escapes ordinary attention in the surrounding world and refers to, for us, to the intimacy of art history or cinema. Everything that is imposed by the sudden, the strange, the dazzling.

We noticed these marks in kind of double awakening, reminding us of the experience we had of the shutting off of a television screen, and which must have lead us to the Switch series. This series dealt with the memory of the televisual image, a reverberation, a last sign before disappearing.

We established a working method by watching a number of films on the American channel TCM. We first put together a collection, and then established a chronotypology of these marks in order to produce several films and video installations with a specific montage in function of the mark categories. We also made paintings and neons based on these Cue Marks.

The form of the Cue Marks evolved with time. They were first, in the 1930s, black circles surrounded by a white border, then in the 40s and 50s, colored stars. Beginning in the 1960s, with cinemascope, the Cue Marks followed the elongation of format to become an oval. Sometimes more rough Cue Marks were superimposed, the projectionist’s marks, creating a tension in the image field. Sometimes the film gel melted, creating improbable multicolored runs.

Incidentally, in parallel we are working on another series - language paintings, Les atomes crochus, Les futurs antérieurs et plus que parfaits (Hooked atoms, Future Perfect and Past Perfect).

CM: You chose to live in New Mexico. Why?

J+C: When we lived in Paris, two times a year for four to six weeks we would visit the American Southwest by car, and from motel to motel, build our collection (fill up) of the turning on and off of screens.

Our first paintings at the end of the 90s and the beginning of the 2000s, entitled Séries américaines (American series), were produced based on maps of desert cities (Tucson, AZ, Las Vegas, NV). During our first trip, we bought a map of Tucson in a supermarket: the pages correspond to the edges of the city, where information becomes scarce, even non-existent, only showing large flat yellow squares in a red grid with zip codes as reference, also in red. We immediately thought of American painting (Colorfield) augmented by a conceptual reference.

Back in Paris, we made the series “Séries américaines” where the title of each artwork corresponded to the territory of the reference map page: Manville, Winchester, Henderson, Clark County, Sloan, Overton, … All of our imaginary comes from the Southwest. Our knowledge of American cinema is also present in this journey across territory.

Next we came to live in the landscape of our paintings, we moved to Santa Fe, New Mexico in 2005. We then began a first series of paintings entitled Sunset, in which we were looking at the sky as our new screen (our last Switch paintings are from 2004). We then made a series of clouds in marble based on photographs taken from our house. Then, we became interested in the places and mythologies of New Mexico: the UFOs, the atomic bomb, Indians, Roswell, White Sands, Los Alamos, Acoma…

With the UFOs, we made our first paintings that tended to be seemingly figurative, based on unidentified objects. This doesn’t mean, as some have suggested, that our Switch paintings were “abstract”. In our work, the image is always in question.

We next explored still life with objects acquired at the Black Hole, the Los Alamos National Laboratory surplus.

We scanned these transparent objects with a two-dimensional scan - to do this, we raised the upper plane with wedges, which makes black borders appear in the image on the computer screen. These black borders determine the space between the upper and lower areas of the scan. Here, we replaced the table on which we set the objects by the scan at the interior of which we introduced objects. A new space, planimetric, is drawn out. The depth of this restrained space is approximately the thickness of the object. On the table, the objects are lit and this creates shadows, which are inscribed in the space. In the scan, the light sweeps the plane with the object; the traces on the field of the scan are those that produce the particular form of the object by the passing of the light. The depth of information is dependent on the nature of the object. It is a question of reflections. This displacement of “on the table/under the scan” seemed pertinent to us. This other space is not observable to the naked eye, but is revealed in a process of analysis. We decided to paint everything: the space of the scan, the object, and the traces of the object resulting from the light.

The paintings we will show at Mayeur Projects, entitled Square Roots, are also related to New Mexico. They refer to the frescos at the Acoma church, where Aby Warburg was to produce an exceptional ensemble of photographs in 1895-96.

CM: What does your collaboration with Mayeur Projects incite for you?

J+C: When we were about to leave Brussels to move for the second time to New Mexico, we received in an old email inbox an invitation to Zoe Crosher’s opening at Mayeur Projects. We responded: “We are coming”.

Las Vegas, NM is a city we always liked for its movie set architecture, its antique stores, its hotel, its grace…And then, during this first opening, we liked you right away, your residency project and the exhibition space. We have in common our desire to share our love of art and of New Mexico.

 

 

Christian Mayeur : Quels sont vos thèmes actuels ?

Jugnet + Clairet : Nous travaillons actuellement de nouveau sur les séries des Cue Marks, avec le projet cette fois d’en faire des sculptures.

Les Cue Marks, ou brûlures de cigarettes, sont ces marques qui dans les films apparaissent furtivement, le plus souvent en haut à droite de l'écran, afin de signaler au projectionniste l'imminence d'un changement de bobine. Ce dispositif appartient à l'histoire du film, de la copie, à la machine du cinéma, au poids physique des images. Il s'agit d'une survivance. Aujourd'hui ces films sont numérisés et transmis sur le câble. Ces marques qui n'ont plus de raison d'être sont toujours présentes, échappant à l'attention générale.

Ce qui le plus souvent est à l’œuvre dans notre travail est ce qui échappe d’ordinaire à l’attention dans le monde environnant et renvoie, pour nous, à l’intime d’une histoire de l’art ou du cinéma. Tout ce qui s’impose par le surgissement, l’étrangeté, la fulgurance.

Ces marques nous les avons perçues comme dans une sorte d’éveil à deux, nous rappelant l’expérience que nous avions eue des fermetures d’écran de télévision, et qui devait nous mener à la série des Switch. Dans les Switch, il s’agissait d’une mémoire de l’image télévisuelle, une rémanence, un dernier signe avant évanouissement.

Nous avons mis en place une méthode de travail en visionnant de nombreux films sur la chaîne américaine TCM. Nous avons d’abord constitué une collection, puis établi une chrono-typologie de ces brûlures afin de réaliser plusieurs films/installations vidéo avec un montage spécifique en fonction des catégories de brûlures. Nous avons également réalisé des peintures et des néons d’après ces Cue Marks.

La forme des Cue Marks évolue dans le temps. Ce sont d’abord, dans les années 30, des cercles noirs entourés d’un liseré blanc ; puis, dans les années 40 et 50, des étoiles en couleurs. À partir des années 60, avec le cinémascope, la forme des Cue Marks suit l’étirement du format pour devenir un ovale. Parfois aux Cue Marks originaux s’ajoutent en surcharge ceux, plus bruts, du projectionniste, créant une tension dans le champ de l’image. Parfois encore la gélatine du film a fondu, créant d’improbables coulures multicolores.

Par ailleurs, nous travaillons en parallèle sur d’autres séries en cours - peintures de langage : Les atomes crochus, Les futurs antérieurs et plus que parfaits.

 

CM : Vous avez choisi de vivre au Nouveau-Mexique. Pourquoi ?

J+C : Lorsque que nous vivions à Paris, deux fois par an et ce durant 4 à 6 semaines, nous venions parcourir le paysage du Sud-Ouest américain en voiture et, de motel en motel, constituer notre collection (faire le plein), d’ouvertures et de fermetures d‘écran.

Nos premières peintures de la fin des années 90 et du début des années 2000, intitulées Séries américaines, ont été réalisées à partir de plans de villes du désert (Tucson, AZ, Las Vegas, NV). Lors de notre premier voyage, nous avions achetés dans un supermarché un plan de la ville de Tucson·: les pages correspondant à la périphérie de la ville, où l’information devient rare, voire inexistante, ne montraient que de grands aplats jaunes quadrillés d’une grille rouge avec comme référence un code postal, rouge également. Nous avons tout de suite pensé à la peinture américaine (Colorfield) augmentée d’une référence conceptuelle.

De retour à Paris, nous avons peint la série « Séries américaines » où le titre de chaque œuvre correspond au territoire de la page du plan de référence : Manville, Winchester, Henderson, Clark County, Sloan, Overton,…. Tout notre imaginaire vient du Southwest. C’est aussi notre culture du cinéma américain qui travaille dans ce parcours du territoire.

Ensuite nous nous sommes installés dans le paysage de nos peintures, nous avons déménagé à Santa Fe, NM en 2005. Nous avons alors commencé une première série de peintures intitulées Sunset, où il s’agissait de considérer le ciel comme notre nouvel écran (nos dernières peintures de Switch datent de 2004). Nous avons ensuite réalisé une série de nuages en marbre d’après des photographies prises depuis chez nous. Puis, nous nous sommes intéressés aux lieux et aux mythologies du Nouveau Mexique : les UFOs, la bombe atomique, les indiens, Roswell, les White Sands, Los Alamos, Acoma…

Avec les UFOs, nous avons réalisé nos premières peintures à tendance apparemment figuratives, à partir d’objets non identifiés. Ce qui ne veut pas dire, comme certains peuvent le suggérer, que nos peintures Switch aient été « abstraites ». Dans notre travail il est toujours question de l’image.

Nous avons ensuite investi la nature morte avec des objets acquis au Black Hole, surplus du Laboratoire National de Los Alamos.

Nous avons scanné ces objets transparents au moyen d’un scan en deux dimensions·- pour ce faire, nous avons surélevé le plan supérieur du scan avec des cales, ce qui a fait apparaître des bords noirs dans l’image récupérée sur l’écran de l’ordinateur. Ces bords noirs déterminent l’espace entre les plans supérieur et inférieur du scan. Ici, nous avons remplacé la table sur laquelle on pose des objets, par le scan à l’intérieur duquel on introduit des objets. Un nouvel espace (planimétrique) se dessine. La profondeur de cet espace restreint est approximativement de l’ordre de l’épaisseur de l’objet. Sur la table, les objets éclairés par la lumière produisent des ombres, ce qui les inscrits dans l’espace. Sous le scan, la lumière balaye le plan avec l’objet ; les traces sur le plan du scan sont celles que produit la forme particulière de l’objet par le passage de la lumière. Les informations du fond sont dépendantes de la nature de l’objet. Il s’agit là de réflexions. C’est ce déplacement “sur la table/sous le scan” qui nous semble pertinent. Cet autre espace n’est pas observable à l’œil nu, mais révélé par un processus d’analyse. Nous avons décidé de tout peindre : l’espace du scan, l’objet, et les traces de l’objet résultant du passage de la lumière.

Les peintures que nous allons montrer au Mayeur Projects, intitulées Square Roots, ont également à voir avec le Nouveau-Mexique. Elles se réfèrent aux fresques de l’église d’Acoma, où Aby Warburg devait réaliser un ensemble exceptionnel de photographies en 1895-96.

 

CM : La coopération avec Mayeur Projects : Qu’est-ce que ça suscite en vous ?

J+C : Lorsque nous étions sur le point de quitter Bruxelles pour déménager pour la seconde fois au Nouveau Mexique, nous avons reçu sur une ancienne adresse email une invitation au vernissage de Zoe Crosher au Mayeur Projects. Nous avons répondu·: We are coming.

Las Vegas NM, est une ville que nous avons toujours aimée pour son architecture de décor de cinéma, ses magasins d’antiquités, son hôtel, sa gare, … Et puis, lors de ce premier vernissage, tu nous a tout de suite plu, nous avons aimé ton projet de résidences et de lieu d’exposition. Nous avons en commun de vouloir faire partager notre amour de l’art et du Nouveau-Mexique.